Es ist bekannt, dass der Komponist die Romantik dem Quellwasser gewidmet hat. Musikstunde "Der Frühling kommt! Weg zum Frühling!" S. Rachmaninov "Präludium in cis-Moll"

Zhukovsky S. Yu. Vorfrühling (Pavillon im Park). 1910

Nach der tödlichen Uraufführung der Ersten Symphonie im Jahr 1897, die scheiterte, konnte Rachmaninow lange Zeit nicht komponieren. Er trat an die Stelle des zweiten Dirigenten an der Moskauer Russischen Privatoper, wo er sich mit dem jungen Chaliapin anfreundete, 1899 als Pianist ins Ausland ging und den Sommer 1900 in Genua verbrachte. Erst jetzt wandte er sich wieder der Komposition zu - er begann mit der Arbeit am zweiten Klavierkonzert und an "Francesca da Rimini".

Nach dem enormen Erfolg des Konzerts im Frühjahr 1902 wandte sich Rachmaninoff einem neuen Genre zu - der Kantate. So entstand die Kantate Spring, die auf dem Gedicht Green Noise (1862) von NA Nekrasov (1821-1878) basiert. Vielleicht hat das Gefühl des Komponisten zur Schaffung eines Lichtwerks beigetragen, das von einer Liebeserklärung durchdrungen ist: In diesem Frühjahr fand seine Hochzeit mit Natalia Alexandrowna Satina statt.

Die Kantate wurde am 11. März 1902 in der neunten Symphonie-Sitzung der Moskauer Philharmonischen Gesellschaft aufgeführt, die von A. Smirnov und dem Chor der Musikliebhaber unter der Leitung von A. Ziloti aufgeführt wurde. Sie wurde von der Öffentlichkeit und den Kritikern sehr positiv aufgenommen. N. Kashkin schrieb in einer Rezension über einen starken Eindruck von Musik. Am 8. Januar (21) 1905 wurde die Kantate in St. Petersburg vom Mariinsky Theatre Chorus (solo von Chaliapin) aufgeführt und auch von der Musikszene sehr geschätzt. Das Kuratorium für die Förderung russischer Komponisten und Musiker verlieh Rachmaninov den Glinkin-Preis für sie.

Musik

Das erste, rein orchestrale, vermittelt das allmähliche Erwachen des Frühlings. Ein kurzes Leitmotiv von "grünem Rauschen", das an die Motive der "Schreie" des Volksfrühlings erinnert, klingt zunächst leise, als würde es aus der Winterruhe erwachen. Allmählich erwachen neue Kräfte, der Frühlingsrummel wächst und beim freudigen Höhepunkt tritt der Chor ein: "Grünes Rauschen, grünes Rauschen, Frühlingsgeräusch summt!" In diese Musik, voller Licht und Freude, bricht die deklamatorische Geschichte des Baritons in scharfe Dissonanz aus: "Meine Gastgeberin Natalya Patrikeevna ist bescheiden, sie wird das Wasser nicht aufrühren!" Mehrmals geht eine düstere, traurige Melodie des Englischhorn-Solos durch das Orchester, die Orchesterfarben verdichten sich. Die quälende Qual wird durch den Chor vermittelt, der kurze, abwärts gerichtete Melodien mit geschlossenem Mund singt, sowie durch die angespannten Harmonien und chromatischen Passagen von Holzinstrumenten, die das Heulen eines Sturms vermitteln. Aber nach den Worten des Monologs des Solisten "Warum, plötzlich hat sich der Frühling eingeschlichen" leise, als ob allmählich, kehrt das Thema Green Noise zurück. Die Farbe wird heller. Flötenüberläufe erscheinen im Orchester, leichte Passagen von Geigen - der Atem der Frühlingsschläge. Freudige Klänge wachsen allmählich. Ein breiter, feierlicher und erleuchteter Gesang vermittelt die Hauptidee des Werkes: "Liebe, solange du liebst, sei geduldig, solange du wartest, Lebewohl, während du vergibst, und - Gott ist dein Richter!"

AUF. Nekrasov

Grünes Rauschen

Levitan I. I. Frühling. Großes Wasser. 1897

Byalynitsky-Birulya V.K. 1953

Geht und summt Green Noise,
Grünes Geräusch, Frühlingsgeräusch!

In Milch getränkt
Es gibt Kirschplantagen
Sie machen ein leises Geräusch;
Erwärmt von der warmen Sonne
Die Fröhlichen machen Lärm
Kiefernwälder.
Und neben neuem Grün
Sie plappern ein neues Lied
Und blassblättrige Linde,
Und weiße Birke
Mit einer grünen Sense!
Ein kleines Schilf raschelt,
Ein großer Ahorn raschelt ...
Sie machen auf neue Weise Lärm,
Auf eine neue, frühlingshafte Art ...

Zhukovsky S. Yu. Erwachen der Natur (früher Frühling). 1898

Grünes Rauschen summt.
Grünes Geräusch, Frühlingsgeräusch!

Der heftige Gedanke schwächt sich ab,
Das Messer fällt außer Kontrolle
Und das ganze Lied, das ich höre
Eins - sowohl zum Wald als auch zur Wiese:
"Liebe solange du liebst,
Sei geduldig, solange du wartest
Auf Wiedersehen, während auf Wiedersehen
Und - Gott ist dein Richter! "

Levitan I. I. Vorfrühling. 1890er Jahre

* Das nennen die Menschen das Erwachen der Natur im Frühling. (Anmerkung von N. A. Nekrasov.)

"Lilac" ist eine Romanze, mit der Sie sich einen genauen Überblick über Rachmaninovs Texte verschaffen können. Die Musik dieser Arbeit ist natürlich und einfach, sie zeichnet sich durch eine Kombination aus lyrischen Gefühlen und Naturbildern aus. Das gesamte musikalische Gewebe der Romantik ist melodiös und melodisch. Ruhige, melodiöse Vokalphrasen folgen natürlich aufeinander.

Die Romanze "Don't Sing, Beauty, With Me", die Lied und dramatische Elemente kombiniert, ist ein wahres Meisterwerk von Rachmaninovs Gesangstexten der 90er Jahre. Das Hauptthema des Stücks, grüblerisch und traurig, erscheint zuerst in der Klaviereinführung als fertige Liedmelodie. Das monotone repetitive A im Bass, die chromatisch absteigende Bewegung der Mittelstimmen sowie die farbenfrohen Veränderungen der Harmonien verleihen dem musikalischen Bild der Einleitung einen orientalischen Geschmack. Der Höhepunkt der Romanze kommt in der dritten Strophe, während es interessant ist, dass dieses Werk auch einen zweiten Höhepunkt in der Reprise hat.

Spring Waters (nach den Worten von F. I. Tyutchev) ist eine Romanze, die sich auf die Lyrik- und Landschaftswerke von Rachmaninoff bezieht und ein Bild des russischen Frühlings darstellt. Der Gesangsteil wird von Motiven dominiert, die auf den Klängen einer großen Triade aufbauen, wobei aufsteigende Phrasen mit einem energetischen Sprung enden. Der Klavierpart ist sehr informativ und spielt eine wichtige Rolle bei der Schaffung der insgesamt lebensbejahenden Stimmung des Stücks.

Musikalisches Bild des Quellwassers aus der Romanze "Quellwasser" von S. V. Rachmaninoff

Der Roman "Die Nacht ist traurig" (nach den Worten von I. A. Bunin) ist eine neue Art russischer Elegie. Das Fehlen einer Strophenform, die für das Elegie-Genre traditionell ist, die Einführung von neuem thematischem Material im Mittelteil der Romanze und die rezitative Präsentation führen einige Anzeichen eines Vokalmonologs ein. Sehr interessant ist auch die musikalische Form dieser Arbeit, die als dreiteilig definiert werden kann, obwohl jeder der Teile einen Satz nicht überschreitet. Die Romanze basiert auf der Entwicklung von zwei Melodien, von denen eine im Gesangsteil und die andere im Klavierpart gebildet wird.

Zum Abschluss der Geschichte über Rachmaninow, einen herausragenden Dirigenten, Pianisten und Komponisten des 20. Jahrhunderts, ist anzumerken, dass sein kreatives Erbe ein wesentlicher Bestandteil der russischen Kunstkultur ist. Die besten Klavier-, Gesangs- und Symphoniewerke sind im goldenen Fonds der klassischen russischen Musik enthalten.

Mechislav Karlovich

Der polnische Komponist, Dirigent und Geiger Mieczyslaw Karlovich wurde 1876 in eine Musikerfamilie geboren. Sein Vater war Cello-Absolvent am Brüsseler Konservatorium und seine Mutter Sängerin und Pianistin. Mechislav begann im Alter von fünf Jahren Musik zu studieren. Von 1889 bis 1895 studierte er bei den Geigern S. Bartsevich und Z. Noskovsky (Harmonie). Später, als er in Berlin war, nahm er Unterricht beim Geiger und Komponisten G. Urban.

Karlovich war der erste seiner Landsleute, der alle seine Bemühungen auf die Schaffung symphonischer Musik richtete. In diesem Bereich gab es praktisch keine nationalen Traditionen, da die polnischen Komponisten des 19. Jahrhunderts hauptsächlich die Genres Klavier (F. Chopin), Violine (G. Wieniawski) und Oper (S. Moniuszko) liebten und einzelne Orchesterwerke nur Schritte zur Entstehung des Polnischen waren Symphonie-Schule ("Fairy Tale" von Moniuszko).

1901 kehrte Karlovich aus Deutschland in seine Heimat zurück. In den frühen 1900er Jahren schrieb er seine bedeutendsten Werke, darunter das Violinkonzert, Century Songs und die litauische Rhapsodie. Neben der kreativen Arbeit beschäftigte sich der Komponist mit aktiven Performances und sozialen Aktivitäten.

Obwohl Karlovichs Werke von dramatischen Stimmungen geprägt sind, begeistert seine Musik die Zuhörer mit ihrer subtilen Lyrik. Die Poesie der Symbolik hatte großen Einfluss auf den Komponisten. Die Merkmale der symbolistischen Ästhetik machen sich besonders in den Kommentaren bemerkbar, die die Partituren einiger Programmwerke des Musikers begleiten. Die modernistischen Ausdrucksmittel zogen Karlovich jedoch nicht an, weshalb sich die neuesten für die Kunst um die Wende des 19. und 20. Jahrhunderts charakteristischen Trends nur in der Auswahl der Themen und Themen seiner Werke widerspiegelten. Überraschend gefühlvolle und klare, melodiöse und ausdrucksstarke Musik ist mit den Volkstraditionen des Songwritings in Polen verbunden.

Dies sind die vielen berühmten Werke von Karlovich. Darunter ist sein Konzert für Violine und Orchester (1902), das romantisch optimistisch und enthusiastisch ist. Alle drei Teile (Allegro moderato, Romantik und Finale) vermitteln den Eindruck von Stärke und frischer Schönheit der Jugend. Dieses Konzert ist zu einem der optimistischsten und lebensbejahendsten Werke des Komponisten geworden.

Die attraktivsten Aspekte des Violinkonzerts sind der melodische Reichtum und die Melodie, die der rein slawischen Musik innewohnen. Die Fähigkeit, Ausdruckskraft und Virtuosität zu verbinden, bringt Karlovichs Werk den Werken von P. Tschaikowsky näher. Gleichzeitig zeugt das Werk des Musikers davon, dass er ein würdiger Nachfolger der virtuosen Tradition der polnischen Geigenkunst ist, die die Zeitgenossen von G. Wieniawski noch immer bewunderte. Zu den Vorzügen des von Karlovich geschriebenen Konzerts zählen Qualitäten wie die Kontinuität der Entwicklung, die Klarheit der Form und die erstaunliche Kombination von Solo- und Orchesterstimmen. Darüber hinaus zeigt das Werk Karlovichs exzellentes Wissen über alle technischen und ausdrucksstarken Fähigkeiten eines Instruments wie der Geige, obwohl dies nicht verwunderlich ist: Der Musiker war ein wunderbarer Geiger, der den Kurs am Konservatorium erfolgreich abgeschlossen und das Konzert von P. Tschaikowsky bei der Abschlussprüfung hervorragend aufgeführt hat.

Karlovichs brillantes Talent zeigt sich auch im Genre des symphonischen Gedichts. "Returning Waves" (1904), geschrieben im Geiste der Symbolik, erzählt von den Erfahrungen eines Mannes, dessen Tage gezählt sind, aber die Erinnerungen an früheres Glück erregen ihn weiterhin. Das symphonische Triptychon "Century Songs", das der Komponist 1904-1906 geschaffen hat, ist ebenfalls von einer traurigen Stimmung durchdrungen. Es besteht aus drei Teilen: "Das Lied der Sehnsucht des Jahrhunderts", "Das Lied der Liebe und des Todes", "Das Lied des Allseins". Und 1907 erschien ein weiteres symphonisches Gedicht - "Stanislav und Anna". Dieses Werk besticht durch seine Emotionalität und Ausdruckskraft des Orchesterklangs.

Zu beachten ist auch Karlovichs Werk „Litauische Rhapsodie“ (1906), in dem sich der Komponist der litauischen und belarussischen Folklore zuwandte. Die Gründlichkeit der Entwicklung, die Subtilität der Vermittlung der Besonderheiten von Volksmelodien, die tiefe Enthüllung poetischer Bilder - all dies macht die Musik der Rhapsodie wirklich charmant.

Obwohl Karlovich ein kurzes Leben führte (1909 starb der 32-jährige Komponist, begraben in einer Lawine in der Tatra), ist die Bedeutung seiner Arbeit im Zusammenhang mit den Traditionen der polnischen Musik sehr groß.

Bela Bartok

Bela Bartok, der größte ungarische Komponist, einer der Klassiker des 20. Jahrhunderts, wurde 1881 in Nagysentmiklos (heute Synnicolaul Mare) in Rumänien geboren. Sein Vater war Direktor einer Landwirtschaftsschule, und seine Mutter war Lehrerin. Sie bemerkte die musikalischen Fähigkeiten ihres Sohnes und gab ihm den ersten Unterricht im Klavierspielen. Dann studierte der Junge bei den damals bekannten Musikern F. Kersh und L. Erkel und trat 1899 in die Liszt-Akademie in Budapest ein, wo er sein Klavierspiel verbesserte und die Theorie der Komposition studierte.

Bela Bartok

Nach seinem Abschluss an der Akademie im Jahr 1903 wandte sich Bartok der ungarischen Volkskunst zu und unternahm regelmäßig Expeditionen in abgelegene ungarische, rumänische und slowakische Outbacks, wo er alte Volkslieder aufnahm. Anschließend verwendete er mehr als einmal Folklore in seinen Werken.

1904 wurde Bartoks erstes Hauptwerk aufgeführt, das Kossuth-Symphonie-Gedicht. Neben ihr hatte er zu diesem Zeitpunkt mehrere Klavierstücke, Streichquartette und Orchestersuiten geschrieben. 1911 begann der Komponist mit der Arbeit an der Oper The Castle of Duke Bluebeard, die er erst 1918 fertigstellte, als das Ballett The Wooden Prince bereits geschaffen worden war. Nach einiger Zeit erschien die nächste Ballett-Pantomime - "The Wonderful Mandarin".

Bartok beschränkt sich nicht nur auf das Komponieren und fungiert als Pianist. Er bereiste viele große Städte in Europa und den Vereinigten Staaten, darunter Moskau und Leningrad.

1907 wurde Bartok Professor für Klavier an der Musikakademie von Liszt. 1934 hörte er auf zu unterrichten und konzentrierte sich ausschließlich auf Forschungsarbeiten auf dem Gebiet der Folklore und Ethnographie. Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zog der Komponist in die USA. Das Leben in einem fremden Land ist jedoch sehr schwierig: Bartok ist sehr einsam, hier hat er weder Freunde noch Bewunderer. 1945 stirbt er im New York State Hospital für die Armen.

Das kreative Erbe des Komponisten wird neben diesen Werken auch durch zwei Kantaten, eine Symphonie, Musik für Streicher, Schlagzeug und Celesta, ein Konzert für ein Orchester, drei Klavierkonzerte, zwei Violin- und Altkonzerte, viele Kammerinstrumental- und Klavierkompositionen, Chöre, Liederzyklen für die Stimme repräsentiert und Klavier. Bartok besitzt auch mehrere wissenschaftliche Werke zur Folklore.

Karl Orff

Der deutsche Komponist, Dirigent und Lehrer Karl Orff wurde 1895 in München geboren. Im Alter von fünf Jahren begann er Klavier, Cello und Orgel zu spielen. Später studierte er Musik an der Münchner Musikakademie, wo er von A. Beer-Walbrunn und P. Zilcher betreut wurde. Später nahm Orff Unterricht beim berühmten Polyphonisten G. Kaminsky.

Von 1915 bis 1919 war Orff Dirigent in München, Mannheim, Darmstadt. An der Münchner Musikakademie war er Professor für Komposition.

1924 wurde der Musiker einer der Gründer der Musikschule in Günteshul, wo er mit Hilfe von Musik, Tanz und Gymnastikübungen ein eigenes System zur Erziehung der jüngeren Generation schuf. Orff ist Autor eines renommierten Schulbuchs. Er schuf eine Reihe von Werken für Kinderchor und Schlaginstrumente.

Orffs anderes Tätigkeitsfeld ist die Leitung von Konzerten der Bach-Gesellschaft. 1955 erhielt der Komponist die Ehrendoktorwürde der Universität Tübingen.

Zu den bedeutendsten Werken von Orff zählen dreistufige Kantaten ("Carmina Burana", "Catulli Carmina", "Triumph der Aphrodite"), musikalische und dramatische Werke ("Moon", "Clever Girl", "Bernuerin"). Ihre Hauptqualitäten waren der Realismus der Verkörperung und die Ausdruckskraft der Liedmusik. Dies ist zum Beispiel die Kantate Carmina Burana (1936), deren Untertitel lautet: "Weltliche Lieder für Solisten und Chöre mit Instrumentalbegleitung und Bühnenbildern."

Diese Arbeit basiert auf Texten des Autors aus der alten Liedersammlung "Carmina Burana", die im 13. Jahrhundert zusammengestellt und heute im Lager eines der bayerischen Klöster gefunden wurde. Diese fröhlichen und fröhlichen oder ironischen Lieder wurden von Schulkindern, Mönchen, Handwerkern und Bauern komponiert. Orff verwendet meisterhaft die Intonationen alter Melodien und gibt ihnen einen neuen Klang. Er zeigt die Vielfalt der Möglichkeiten der ursprünglichen Interpretation diatonischer Musik. Von großem Interesse ist das Kantatenorchester, das der Komponist mit zwei Klavieren und verschiedenen Schlaginstrumenten hinzufügte.

Obwohl die Kantate besagt, dass ein Mensch dem Schicksal nicht widerstehen kann und sein Leben von den Drehungen des Glücksrads abhängt, schafft ihre Musik, überraschend frisch und energisch, eine freudige und leichte Stimmung im Publikum. Orff führt nicht nur Intonationen in die Kantate ein, sondern auch Auszüge aus Volksliedern, aber seine Arbeit verwandelt sich nicht in Stilisierung.

Die Ausdruckskraft und spontane Kraft von Carmina Burana unterscheidet es positiv von Catulli Carmina (1943) und The Triumph of Aphrodite (1951), geschrieben in den Worten von Catullus, Sappho und Euripides, aber diese Kantaten haben auch viele attraktive und helle Seiten.

Zu den Bühnenwerken von großem Interesse gehört Clever Girl (1942), das auf dem Märchen der Brüder Grimm basiert, einem Werk voller lebhaftem Humor im Geiste einer Farce.

Karl Orff starb 1982.

Igor Fjodorowitsch Strawinsky

Einer der größten Musiker des 20. Jahrhunderts, Igor Strawinsky, wurde 1882 in Oranienbaum bei St. Petersburg geboren. Sein Vater, F. I. Strawinsky, war Sänger und Solist des Mariinsky Imperial Theatre.

Igor Fjodorowitsch Strawinsky

Der Junge zeigte früh musikalisches Talent. Im Alter von 9 Jahren begann er Klavier zu lernen, zuerst mit Snetkova und dann mit Kashperova. Strawinsky erhielt jedoch keine professionelle musikalische Ausbildung und trat im Alter von 18 Jahren auf Drängen seiner Eltern in die juristische Fakultät der Universität St. Petersburg ein. Aber seine Anziehungskraft für Musik ließ nicht nach und er widmete seine ganze Freizeit dem Studium musiktheoretischer Fächer.

Zwei Jahre später, als Strawinsky erkannte, dass er den Rat eines Fachmanns brauchte, wandte er sich an Rimsky-Korsakov, der ihm zwischen 1903 und 1905 Privatunterricht erteilte, und versorgte seinen Schüler bis zu seinem Tod mit der notwendigen Unterstützung.

Die ersten Werke von Strawinsky, die er unter der Leitung von Rimsky-Korsakov schrieb, waren mehrere Klavierstücke, eine Kantate zum 60. Jahrestag von Rimsky-Korsakov, eine Suite für Gesang und Orchester Faun und eine Hirtin, eine Symphonie in Es-Dur, Fantastisches Scherzo. Diaghilev war bei der Premiere des letzteren anwesend. Fasziniert vom Talent des jungen Komponisten beauftragte er ihn, ein Ballett für die russische Saison in Paris zu inszenieren. Das Ergebnis war The Firebird (1910), dann Petrushka (1911) und später The Spring Rite (1913). Diese Kompositionen erlangten bei Musikliebhabern wohlverdiente Popularität und verbreiteten den Namen ihres Schöpfers mit Weltruhm.

Zu dieser Zeit wechselte Strawinsky seinen Aufenthalt in Russland mit Reisen nach Paris ab. Im Sommer 1914, also kurz vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs, ging der Komponist in die Schweiz, wo er wegen des Ausbruchs der Feindseligkeiten bis 1918 bleiben musste. Während der Jahre in diesem Land schrieb Strawinsky die Oper "Die Nachtigall" (1914), "Die Geschichte eines Soldaten" (1918), die er selbst als "die Geschichte des flüchtigen Soldaten und der Eigenschaft, las, spielte und tanzte" definierte.

Der Komponist wollte nicht nach Russland zurückkehren, das sowjetisch wurde, und zog nach Paris, wo er bis 1940 lebte. 1919 erhielt er von Diaghilev einen neuen Auftrag, der darauf hinwies, dass Strawinsky gebeten wurde, den musikalischen Teil des Pulcinella-Balletts basierend auf der Musik von Pergolesi zu perfektionieren.

Etwas später wurden Strawinskys Opern "Mavra" (basierend auf Puschkins Gedicht "Das Haus in Kolomna") und "König Ödipus" in der Hauptstadt Frankreichs aufgeführt. Das Erscheinen des letzteren markierte den Beginn einer neuen Phase im Werk des Komponisten - neoklassisch, die sein Werk in der rein russischen Tradition ersetzte.

1924 gab Strawinsky sein Debüt als Pianist, der sein Konzert für Klavier und Blaskapelle unter der Leitung von Koussevitsky aufführte. Ein Jahr später versucht sich Strawinsky als Dirigent. In seiner Freizeit komponiert er Musik für das Theater und wendet sich auch anderen Musikgenres zu: Er schreibt Symphonie für Blasinstrumente, Suiten für Kammerorchester, Klavier und Vokalwerke. Bald erschienen Strawinskys Ballette Apollo Musaget, Kiss of the Fairy und die berühmte Symphonie der Psalmen zu den lateinischen Texten des Alten Testaments.

Der Beginn der 1930er Jahre war geprägt von der Entstehung solcher Werke des Komponisten als Konzert für Violine und Orchester und als Konzert für zwei Klaviere. In den Jahren 1933 - 1934 komponiert Strawinsky im Auftrag der berühmten Tänzerin Ida Rubinstein zusammen mit A. Gide das Melodram Persephone. Gleichzeitig beschließt er, die französische Staatsbürgerschaft zu akzeptieren, wodurch die Fäden, die ihn noch immer mit seiner Heimat verbinden, endgültig gerissen werden. Im gleichen Zeitraum erschien sein autobiografisches Buch "Chronicle of My Life".

1936 tourte Strawinsky durch die USA. In der Metropolitan Opera findet die Premiere seiner Ballett-Spielkarten statt, und er selbst beginnt mit der Arbeit am Dumbarton Oaks-Konzert, das 1938 im Haus des Kunden, des Ehepaares Bliss, aufgeführt wird. Im selben Jahr unterrichtet er mehrere Klassen mit Studenten der Harvard University.

1940 wurde für Strawinsky ein Abschied von Frankreich und ein Umzug in die Vereinigten Staaten zum ständigen Aufenthalt markiert. Mittlerweile tourt er gelegentlich nach Europa, wo er als Pianist und Dirigent auftritt. 1962 feiert er feierlich seinen 80. Geburtstag, danach beschließt er schließlich, die UdSSR zu besuchen. Er gibt Konzerte in Moskau und Leningrad und kehrt dann in die USA zurück. Nach weiteren fünf Jahren beendet er seine Auftritte, arbeitet aber weiterhin als Komponist. Sein Leben endet 1971 in New York.

L. Bakst. Kostümdesign für Igor Strawinskys Ballett "The Firebird"

Das kreative Erbe von Strawinsky umfasst neben den oben genannten Werken die Oper "Die Abenteuer eines Rechen", die auf einer Reihe von Stichen von J. Hogarth (1571) basiert, die Ballette "Orpheus" (1948), "The Cell" (1951) und "Agon" (1957), Symphonien "In C" und "In drei Sätzen", Ebenholzkonzert für Soloklarinette und Instrumentalensemble, "Vater unser" für Chor a capella, "Heiliger Gesang zur Ehre des Namens des hl. Markus", "Wehklagen des Propheten Jeremia", Kantate "Predigt", Gleichnis und Gebet “,„ Gedenkhymnen “, eine große Anzahl kleinerer Werke.

Interessanterweise fehlt Strawinsky ein bestimmter Stil des musikalischen Schreibens, seine Arbeitsweise ändert sich ständig, weshalb er sogar als Chamäleon bezeichnet wurde. Alle seine Kompositionen sind jedoch Beispiele für wahre Meisterschaft.

Alfredo Casella

Der italienische Komponist, Pianist, Musikkritiker und Pädagoge Alfredo Casella wurde 1883 geboren. Er erhielt seine musikalische Ausbildung am Pariser Konservatorium. Er studierte Komposition unter der Leitung von G. Fauré, Klavier - L. Diemer. Die französische Musik, das Werk von R. Strauss und auch seine Bekanntschaft mit G. Mahler hatten großen Einfluss auf die Gestaltung seines Stils. Das berühmteste frühe Werk von Casella war die 1909 geschriebene symphonische Rhapsodie "Italien", die den Wunsch des Autors widerspiegelte, Bilder des Lebens in Neapel und Sizilien zu vermitteln. Der Komponist nahm Volksmelodien in die Partitur auf, die in einer etwas schweren orchestralen Umgebung präsentiert wurden.

Von 1912 bis 1915 leitete Casella die Volkskonzerte in der Trocadero-Halle. Im gleichen Zeitraum unterrichtete er Klavier am Pariser Konservatorium.

1915 zog der Komponist nach Rom, wo er Professor für Klavier an der Musikakademie von Santa Cecilia wurde. Mit Konzerten besuchte er viele europäische und amerikanische Städte.

Casellas Suite Pages of War (1918), die den tragischen Ereignissen unserer Zeit gewidmet war, erschien in Rom. Seitdem haben die neoklassischen Tendenzen, die in den früheren Arbeiten des Musikers kaum spürbar waren, erheblich zugenommen. Sie sind besonders in der Partita für Klavier und Orchester (1925) zu spüren, in der das Streben des Autors nach Konstruktivismus in den Vordergrund tritt. Wie viele europäische Komponisten dieser Zeit wandte sich Casella ständig den Traditionen der alten italienischen Musik zu. Vor allem die Kunst des 17. bis 18. Jahrhunderts, insbesondere die Werke von A. Vivaldi und A. Scarlatti, zog ihn an. Der Musiker war auch stark von der Arbeit von G. Rossini und A. Paganini beeinflusst. In Casellas Werken verbindet sich das Interesse an der Antike mit dem Wunsch, die Ausdrucksmittel der modernen Musikkunst zu nutzen, die der Komponist in seinen theoretischen Werken neu interpretiert hat (Die Evolution der Musik im Lichte der Geschichte der sich ändernden Kadenz, 1918; Polytonalität und Atonalität). Volkskunst spielt auch eine wichtige Rolle in der Musik des Komponisten. Elemente der Folklore sind in vielen Werken von Casella deutlich sichtbar.

Zu den interessantesten Werken des Komponisten zählen ein Konzert für ein Streichorchester (1927) sowie die Scarlattiana-Suiten für Klavier und 32 Streichinstrumente (1926) und Paganiniana (1942), kostenlose Arrangements berühmter Meister italienischer Musikkunst. In diesen Werken sowie in der bereits erwähnten Partita für Klavier und Orchester wendet sich Casella dem Neoklassizismus zu. Neoklassische Tendenzen sind auch im Konzert für Streicher, Klavier, Pauken und Schlagzeug (1943) zu spüren. Dieses speziell für das Basler Kammerorchester geschaffene Konzert zeichnet sich durch die strukturelle Harmonie und Harmonie der Kombination von Tanzgenres und alten Versionen des Concerto Grosso aus.

Zu den bedeutendsten Werken von Casella, die für das Theater geschaffen wurden, gehört "The Woman-Snake" (1931), das die Bilder der italienischen Büffeloper, die Oper "The Tale of Orpheus", die Ballette "The Venetian Monastery" (1913) und "Jug" (1924) verkörpert ). Der Komponist ist Autor der feierlichen Messe "For Peace" (1944), drei Symphonien, "Heroic Elegy" (1916), Konzerten, Romanzen, Theaterstücken, darunter elf für Kinder.

Casella nahm aktiv an den Aktivitäten der Internationalen Gesellschaft für zeitgenössische Musik teil. Die Werke des Komponisten wurden oft auf Festivals aufgeführt, die von dieser Gesellschaft in verschiedenen Ländern organisiert wurden.

Der italienische Komponist starb 1947.

Obwohl Casellas Werke in ihrer Bedeutung nicht gleich sind, nimmt der Musiker, der eine große Rolle bei der Wiederbelebung der nationalen Traditionen spielte, einen würdigen Platz in der Geschichte der italienischen Musikkunst ein.

Heitor Vila-Lobos

Heitor Vila Lobos, brasilianischer Komponist, Dirigent, Lehrer und Folklorist, wurde am 5. März 1887 in Rio de Janeiro geboren. Seine Anziehungskraft für Musik zeigte sich ziemlich spät. Im Alter von 16 Jahren interessierte er sich für Folklore und reiste viel durch das Land, um verschiedene Volkslieder aufzunehmen.

1923 ging Vila-Lobos nach Paris, wo er fleißig Musikdisziplinen studierte. Dort traf er auch Ravel, Prokofiev und andere Komponisten. Die Freundschaft mit ihnen spielte eine wichtige Rolle bei der Entwicklung seiner Arbeit.

Vila-Lobos erkannte sich als Komponist und fand unterdessen Zeit, als Dirigent in Konzerten aufzutreten, während er die Aufführung seiner Werke und die Musik seiner Zeitgenossen leitete.

1931 wurde Vila-Lobos zum Regierungskommissar für Musikausbildung in Brasilien ernannt. Wir müssen ihm seine Schuld geben: Er hat seinem Land viele Vorteile gebracht und einen so wichtigen Posten besetzt. Vila Lobos gründete in vielen brasilianischen Städten Musikschulen und Chorstudios und entwickelte ein System der Musikausbildung für Kinder. 1945 wurde auf seine Initiative die brasilianische Musikakademie eröffnet, deren ständiger Präsident er war.

Neben der Erfüllung der Aufgaben eines Kommissars tourte Vila-Lobos weiter und besuchte Konzerte in verschiedenen Ländern Südamerikas, in den USA, London, Paris, Rom, Lissabon usw. Dank ihm lernte die Welt die einzigartige brasilianische Musik kennen, die der Komponist vertrat ...

Vila Lobos 'Leben endete 1959 in Rio de Janeiro. Sein kreatives Erbe ist eine Vielzahl von Werken verschiedener Genres. Unter ihnen möchte ich zunächst die Opern Aglaya, Eliza, Izat, Malazarte, Yerma erwähnen; Operette "Maddalena"; 15 Ballette; Oratorien Vidpura und Lied der Erde; Chorsuite "Die Entdeckung Brasiliens"; Masse; 12 Symphonien; 2 Symphonietta; 18 symphonische Gedichte; 5 Klavier- und 2 Cellokonzerte, Kammerinstrumental- und Klavierkompositionen. Das bekannteste ist ein Werk des Komponisten wie "Brasilianische Dünen" für Stimme mit einem Ensemble von Instrumenten.

Vila-Lobos besitzt auch ein sechsbändiges Werk "Ein praktischer Leitfaden für das Studium der Folklore".

Bohuslav Martinu

Der tschechische Komponist Bohuslav Martinu wurde 1890 geboren. Das erste bedeutende Werk des jungen Musikers war die Tschechische Rhapsodie für Orchester (1918). 1923 ging Martinou nach Paris, wo er bei A. Roussel zu studieren begann. Nach Abschluss seines Studiums blieb er in Frankreich, obwohl er nie die Verbindung zu seiner Heimat brach. Neue Kunsttrends gingen nicht an ihm vorbei, der Komponist interessierte sich für Neoklassizismus, Jazz und andere. Ihre Bekanntschaft mit I. Strawinsky und A. Honegger hatte einen großen Einfluss auf Martina.

Aber nach und nach entwickelte der Komponist seinen eigenen Stil. Die Werke des Musikers wurden erfolgreich in Paris und Prag aufgeführt, obwohl nicht alle Zuhörer seine Werke akzeptierten. Einige hielten seine Musik für zu kühn und sogar gewagt.

In den 1930er Jahren erschienen einige Werke von Martinu, die das große Interesse ihres Autors an tschechischen Motiven belegen. Darunter sind das Ballett "Spalichek" (1932), die Opern "Theaterstücke über Maria" (1934) und "Theater hinter den Toren" (1936), basierend auf folkloristischen Elementen.

Zu den bedeutendsten Werken dieser Zeit zählen die Oper Julia (1937) und das Doppelkonzert für zwei Streichorchester, einen Flügel und eine Pauke (1938). Ihre Musik spiegelt die verstörende Stimmung wider, die Europa am Rande des Zweiten Weltkriegs ergriff. Dann schrieb er an Martin: „Alles verschwand unter meinen Händen, meine Gedanken trafen nirgends auf Reaktion oder Unterstützung. Sie verschwanden im Nichts, als würde die geöffnete Leere die ganze Menschheit anziehen. "

Der Komponist schrieb das Libretto für Julia selbst und bezog sich dabei auf die Geschichte von J. Neve. Die Handlung spielt in einer fantastischen Stadt, deren Bewohner sich nicht an ihre Vergangenheit erinnern und die Realität nicht von der Fiktion unterscheiden. Michelle, ein junger Mann, der seine Geliebte sucht, befindet sich in einer fremden Stadt. Er findet ein Mädchen, aber seine Julia, die in den Bann der Magie der Stadt geraten ist, kann sich nicht mehr befreien. Michelle kann sich nicht von ihrer Geliebten trennen und bleibt in dieser verrückten, monströsen Welt.

Die ganze Handlung von "Juliet" besteht aus kleinen Szenen, der Gesang basiert auf Rezitativ. Die Oper ist von psychologischen Merkmalen geprägt, der Hörer fühlt sich in die Helden hineinversetzt, die in einer unwirklichen, mysteriösen Welt leben. Martins subtiles künstlerisches Flair hilft dabei, seine Fähigkeit, Lebensenergie und Dynamik in die offensichtlich fantastische Atmosphäre der Oper zu bringen. Die Idee von Julia offenbart sich in den Worten des Komponisten selbst, der schrieb: „Dies ist ein verzweifelter Kampf um den Besitz von etwas Stabilem, das als Unterstützung dienen kann: Realität, Erinnerung, Bewusstsein. Es ist das letztere, das sich als gebrochen herausstellt und in tragische Situationen gerät, in denen Michel kämpfen muss, um seine eigene Stabilität und seinen gesunden Menschenverstand aufrechtzuerhalten. Es lohnt sich nachzugeben, und er wird für immer in dieser Welt bleiben, ohne Erinnerung, ohne Zeit. " In surrealen Bildern versuchte der Komponist, echte Emotionen und Gefühle zu vermitteln, die als Folge der schmerzhaften Instabilität des Bewusstseins auftreten. Martin stand dabei B. Bartok und A. Honegger nahe, deren Musik auch eine alarmierende Vorahnung einer bevorstehenden Katastrophe widerspiegelte.

Seit 1941 ist der Komponist in den USA. 1953 kehrte er nach Europa zurück. Martinou lebte in Frankreich, Italien, der Schweiz. Obwohl er seine tschechischen Wurzeln nie vergaß, konnte ein langjähriger Aufenthalt in seiner Heimat seine Arbeit nur beeinflussen, vielfältig und widersprüchlich. Fast alle Genres und Sorten sind in Martinus Erbe vertreten. Der Musiker hat bestimmte Systeme und Trends nie befolgt, er hat es geschafft, seine Einzigartigkeit und Individualität zu bewahren.

Martinus beste Werke entstanden in den letzten zwanzig Jahren seines Lebens. In dieser Zeit schrieb der Komponist sechs Symphonien, "Fresken von Piero della Francesca" und "Parabel" für Orchester, Opern "Ariadne" und "Mirandolina", "Griechische Leidenschaften" usw.

Martinu wandte sich bereits als Erwachsener dem Genre der Symphonie zu. Dann schrieb er: „Wenn jemand vor dem Problem steht, die erste Symphonie zu schaffen, wird er unwillkürlich besonders nervös und ernst ...“ Diese Worte drücken die Genauigkeit des Komponisten gegenüber sich selbst und seinem Werk aus.

Romanzen von S.V. Rachmaninow wird sein geistliches Geständnis genannt. Der Komponist hat viele Werke in diesem Genre geschaffen - etwa acht Dutzend, von denen jedes für seine erstaunliche Aufrichtigkeit bemerkenswert ist. Diese Aufmerksamkeit von Sergej Wassiljewitsch für Vokalkompositionen ist durchaus verständlich - er sagte oft, dass er Poesie liebte und sie nach der Musik immer auf den zweiten Ehrenplatz brachte.

Schöpfungsgeschichte

Das Verlangen nach Schreiben manifestierte sich in Rachmaninov Schon in seiner Kindheit zog er es jedoch vor, zu improvisieren, ohne sich die Mühe zu machen, die Notizen auf Papier zu fixieren. Der zukünftige große Komponist begann jedoch erst 1887, seine Kreationen aufzunehmen, und versuchte sich sofort in verschiedenen Genres, einschließlich der Vokalgenres. Es gibt jedoch keine Informationen über die Kompositionen für die Stimme jener Jahre, möglicherweise weil Rachmaninov sie nicht für wichtig hielt und nicht versuchte, sie zu bewahren. Der Komponist beschloss, seine Vokalkreationen ab 1890 zu zählen, als seine Kompositionen für die Stimme "Vor den Toren des Klosters des Heiligen" nach den Worten von M. Lermontov und "Ich werde Ihnen nichts sagen" nach den Worten von A. Fet geschrieben wurden, die von ihm als Nr. 1 und Nr. 1 bezeichnet wurden. 2. Seitdem ist die Romanze zu einem der Lieblingsgenres von Rachmaninoff geworden, und er ist in seiner Arbeit regelmäßig darauf zurückgekommen. Wenn diese Kompositionen der frühen Jahre im Stil der Musik sehr ähnlich wären PI. TschaikowskyIn den Vokalkompositionen von 1891 ist der Einfluss von E. Grieg deutlich zu hören. Wir sprechen über zwei Romanzen: "Es war im April", geschrieben in französischem Text von E. Peyeron, und "Es wurde dunkel" zu den Worten von A. Tolstoi.

In der Zeit nach seinem Abschluss am Moskauer Konservatorium und bis zur zweiten Hälfte der 1890er Jahre schrieb Sergej Wassiljewitsch drei Opus für Stimme. In ihnen werden die Merkmale von Rachmaninovs kreativer Individualität bereits klar umrissen, und die Interpretation des für seinen Stift charakteristischen Romantik-Genres wird deutlich, wenn eine breite und ausdrucksstarke Vokalmelodie organisch mit einem virtuosen Klavierpart verschmilzt, der reich an koloristischen Tönen ist.

Sechs Romanzen, die vor Mitte 1893 geschrieben wurden, traten in op.4 ein. Die beste Komposition dieser Gruppe ist die Romanze "In der Stille der geheimen Nacht" (Gedichte von A. Fet), die an einen Verwandten von Maestro V.D. Skalon.

Romanzen op.8 wurden im Herbst 1983 komponiert und wurden zu einer Art Reaktion auf den Tod des damals populären Dichters N. Pleshcheev. Seltsamerweise sah ihn Rachmaninoff selbst nie und kannte ihn nur aus den Büchern und Worten seiner Bekannten. Vielleicht hörte er etwas über den großen Dichter von seinem Großvater Arkady Alexandrovich, der ihn nicht nur gut kannte, sondern ihm auch einige seiner Romanzen widmete. Dieses Werk enthält sechs Kompositionen, von denen die berühmtesten als "Kind, du bist schön wie eine Blume!" und Traum".

1896 wurde ein weiterer Zyklus von 12 Romanzen geboren, der als op. 14. Da Rachmaninow in dieser Zeit noch auf der Suche nach seinem eigenen Stil war, ist dieses Werk in seinen Bildern sehr heterogen. Die Gedichte von Sergei Vasilievich sind nicht gleich. Zu ihren Autoren zählen anerkannte Meister des poetischen Textes wie A. Tolstoi, F. Tyutchev, A. Fet und andere sowie die damals wenig bekannten Dichter N. Minsky und K. Balmont. Die beliebteste Romanze aus diesem Zyklus während der Zeit von Rachmaninoff war Spring Waters.

Im Frühjahr 1902 wurde das nächste, 21. Werk für Gesang fertiggestellt, das 12 Werke umfasste. Es ist schwierig, etwas besonders Herausragendes unter ihnen herauszustellen - alle Romanzen dieses Zyklus können sicher den höchsten Meisterwerken von Rachmaninovs Kreativität zugeschrieben werden. Das berühmteste Werk dieses Opus kann nach den Worten von E. Beketova als "Flieder" und nach den Versen von G. Galkina als "Es ist gut hier" bezeichnet werden.

Vier Jahre später vervollständigt Rachmaninow eine weitere Gruppe von Romanzen, die unter Opus Nr. 26 zusammengefasst sind. Dieser Zyklus von fünfzehn Werken zeichnet sich unter anderem durch seine Stilmerkmale aus, die mit den Opernrecherchen des Komponisten verbunden sind. Deshalb haben einige seiner Werke aus dieser Gruppe den Charakter eines dramatischen Monologs. Dazu gehört zum Beispiel die Romanze "Wir werden uns ausruhen" zu den Worten von A. Tschechow.

Das 36. Werk bestand aus vierzehn Romanzen. Zwölf von ihnen wurden Mitte 1912 aufgenommen, eine mit dem Titel "It Can't Be" wurde zwei Jahre zuvor, 1910, veröffentlicht, und "Vocalise" wurde 1915 komponiert und später der Gruppe hinzugefügt. Rachmaninoffs Interesse an Puschkins Gedichten ist in diesem Werk bemerkenswert. Wenn er sie früher einmal in der Romanze „Sing die Schönheit nicht in meiner Gegenwart“ ansprach, dann wurden hier drei Werke zu seinen Versen geschrieben - „Muse“, „Tempest“ und „Arion“. Darüber hinaus verwendete der Komponist Gedichte von K. Balmont, F. Tyutchev, A. Fet und vielen anderen.

Einen besonderen Platz im kreativen Erbe von Rachmaninow nimmt sein letzter Kammer-Vokal-Zyklus von sechs Romanzen ein, der als Opus Nr. 38 bezeichnet wird. Eine Besonderheit dieser 1916 verfassten Werkgruppe sind poetische Quellen - sie gehören alle zur Feder zeitgenössischer Komponistenautoren, die die Bilder und Mittel der Poetik erneuern wollten. Die besten Romanzen in diesem Zyklus betrachtete Rachmaninov als "Gänseblümchen" und "Rattenfänger".

Interessante Fakten

• Der Großvater des Komponisten, Arkady Alexandrovich, war eine musikalisch begabte Person und liebte es, Klavier zu spielen. Er lebte 73 Jahre und verbrachte bis vor kurzem mehrere Stunden am Tag an einem Musikinstrument. Er komponierte und liebte vor allem Romanzen und Klavierstücke wie seinen Enkel. Einige seiner Kreationen wurden veröffentlicht, aber die meisten sind verloren gegangen. Bis heute sind 11 Kompositionen von Arkady Alexandrovich erhalten, darunter 7 Romanzen und 3 Gesangsduette.
• Arkady Alexandrovich Rachmaninoff schrieb eine Romanze zu den Worten von A.N. Pleshcheeva "Traum". Viele Jahre später nahm Sergei Vasilievich die gleichen Gedichte für seine Vokalkomposition.
• Romanze zu den Worten von A. Tolstoi "Erinnerst du dich an den Abend?" Rachmaninow galt als der erfolgloseste unter all seinen Vokalkreationen.
• Die Romanze "In der Stille einer geheimen Nacht" wurde am 17. Oktober 1890 komponiert, aber später kehrte der Komponist wiederholt dorthin zurück und schrieb einzelne Fragmente neu. Die endgültige Fassung dieses Werkes, die heute in Konzertsälen gespielt wird, hat wenig Ähnlichkeit mit der Originalfassung.
• Im schöpferischen Erbe des großen Komponisten gibt es weitere Werke mit dem Namen "Romance" - zum Beispiel den zweiten Satz im Quartett Nr. 1 und das erste Stück für Violine im Opus Nr. 6.
• Seine erste Gebühr in Höhe von 500 Rubel erhielt er vom Verlag K. Gutchen für den Druck des Klaviers. “ Aleko”, Zwei Stücke für Cello op.2 und sechs Romanzen op.4, konnte Rachmaninov nicht ausgeben, weil er seine Schulden sofort abzahlte.
• Die Romanze "Spring Waters" zur Zeit von Rachmaninoff hatte eine sehr merkwürdige Interpretation. Die Revolutionäre hörten in den Impulsen der erwachenden Natur, dass sie zum Kampf und zum Aufstieg des sozialen Bewusstseins aufrufen. Wie diese Vokalkomposition dazu beigetragen hat, sich von der jahrhundertealten Unterdrückung zu befreien, kann nun in der Musikliteratur der Sowjetzeit nachgelesen werden.
• Rachmaninoff verwendete das berühmteste Motiv aus Beethovens Fünfter Symphonie als Grundlage für seine Komposition "Schicksal" aus op.21. Diese Romanze ist F. Chaliapin gewidmet, der sie hauptsächlich zum ersten Mal nach ihrer Entstehung aufführte.
• Im Herzen des größten Maestro blitzte die Liebe mehr als einmal auf, was ihn dazu inspirierte, Romanzen zu schreiben. Es war unter dem Einfluss dieses Gefühls, dass "In der Stille der geheimen Nacht" (gewidmet von V. Skalon), "Oh nein, ich bete, du gehst nicht weg" (gewidmet A. Lodyzhenskaya), "Singe keine Schönheit in meiner Gegenwart" (gewidmet N. Satina) ...
• Im Exil schrieb Rachmaninow keine einzige Romanze.

Sergei Vasilievich betrachtete das Genre der Romantik als ideal für die Verkörperung lyrischer Erfahrungen. Deshalb dominiert die lyrische Sphäre in seinen Vokalwerken, aber humorvolle, alltägliche und tragische Bilder sind in ihnen sehr selten.

Schon in seinen frühen Jahren wandte sich Rachmaninow häufig dem Genre der russischen Lyrik zu, was weitgehend durch seine Liebe zu Tschaikowskys Erbe erklärt werden kann. Dies ist besonders in Romanzen ausgeprägt “ Ich habe mich in meine Trauer verliebt"Und" Wow mein Getreidefeld". Der Komponist wählt solche poetischen Texte aus, die über das Leiden unter Liebe und unerträgliche seelische Qualen berichten. Dieses Thema bezieht sich auch auf die orientalische Poesie, die Rachmaninoff ebenfalls nicht fremd war. Exotische "Kompositionen bilden einen eigenen Zweig in seinem Vokalwerk - die berühmte Romanze" Singe keine Schönheit in meiner Gegenwart", Sowie Skizzen" Sie ist so gut wie Mittag», « In meiner Seele», « Nachts in meinem Garten" und andere. Der Orientalismus in diesen Kompositionen ist zwar bedingter und nicht so klar nachgebildet wie in den Kompositionen M. Balakireva.

In seiner Vokalmusik gelang es Rachmaninov, sich als großartiger Meister des Pinsels und der Farbe zu zeigen, der eine echte Galerie natürlicher Gemälde „malte“ - „ Insel», « Es ist schön hier», « Lila", und viele andere.

In der Arbeit von Rachmaninoff wurde auch ein tragisches Thema verkörpert. Sie ist es, die sich in den Romanzen aus den Werken Nr. 21 und Nr. 26 durchsetzt, die in einer für den Künstler schwierigen Zeit entstanden sind. Dann war Sergei Vasilievich sehr besorgt über das Scheitern seiner Debütsinfonie und versuchte, alle Gefühle in seinen Kreationen zu vermitteln - Kompositionen “ Schicksal», « Wie es mir weh tut», « Ich bin wieder alleine», « Alles geht vorbei».

Als wahrer Künstler konnte Rachmaninov nicht anders, als das Thema Kunst und sein Schicksal anzusprechen. In dieser Hinsicht sind Romanzen bezeichnend: Arion», « Muse"Und" Obrochnik».

Rachmaninov war ein Komponist von erstaunlichem Talent. Welches Genre er auch berührte, unter seiner Hand erlangte er eine außergewöhnliche spirituelle und künstlerische Perfektion. Und aus der Romantik gelang es dem großen Musiker, das scheinbar Unmögliche möglich zu machen - ein Genre mit wirklich endlosen Möglichkeiten. Und was am interessantesten ist - Rachmaninoff interessierte sich nicht für den künstlerischen Wert des Textes, für ihn waren nur die Bilder und die Bedeutung wichtig, die die Autoren darin darlegten. Der Komponist interpretierte sie zwar immer auf seine eigene Weise und schuf ein völlig anderes poetisches Bild, das von seinem Klang fasziniert.

Video: Hören Sie sich Rachmaninoffs Romanzen an

"Ich bin ein russischer Komponist, und meine Heimat hat meinen Charakter und meine Ansichten geprägt. Meine Musik ist die Frucht meines Charakters, und deshalb ist es russische Musik ... Ich habe kein eigenes Land. Ich musste das Land verlassen, in dem ich geboren wurde, in dem ich gekämpft habe und ertrug alle Probleme der Jugend und wo es mir endlich gelang. "

"Was ist Musik ?!

Es ist eine ruhige Mondnacht;

Es ist das Rascheln lebender Blätter;

Es ist ein fernes Abendglockenspiel;

Dies wird aus dem Herzen geboren

und geht zum Herzen;

Das ist die Liebe!

Die Schwester der Musik ist die Poesie

und ihre Mutter ist traurig! "

Rachmaninow am Klavier, Anfang des 20. Jahrhunderts.

Von 1892 bis 1911Sergei Vasilyevich Rahmaninov schrieb 83 Romanzen, also Sie sind alle geschaffen während der russischen Zeit seines Lebens. In Bezug auf die Popularität konkurrieren sie mit seinen Klavierwerken. Die meisten Romanzen wurden nach den Texten russischer Lyriker der zweiten Hälfte geschrieben 19 Jahrhundert und die Wende des 20. und nur etwas mehr als ein Dutzend Gedichte von Dichtern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts - Puschkin, Koltsow, Schewtschenko in russischer Übersetzung.

Rachmaninoff schrieb:„Ich bin sehr von Poesie inspiriert. Nach der Musik ist Poesie mein Favorit. ... Ich habe immer Gedichte zur Hand. Poesie inspiriert Musik, denn in der Poesie selbst steckt viel Musik. Sie sind wie Zwillingsschwestern. "

1. "Ich bin kein Prophet" - die Worte von Alexander Kruglov. 2. "Es ist Zeit" - Nadson. 3. "Christus ist auferstanden" - Merezhkovsky. 4. "Wie es mir weh tut" von Glafira Galina. 5. Vokalisieren. 6. "Ich habe mich in meine Trauer verliebt" - Pleshcheeva (aus Shevchenko). 7. "Oh nein, ich bete, du gehst nicht!" - Merezhkovsky. 8. "Islet" - Balmont 9. Ein Auszug aus Musset - Übersetzung von Apukhtin. 10. "Es ist gut hier" - Galina. 11. "Ich warte auf dich" - Davidova. 12. "Die Nacht ist traurig" - Bunina. 13. "Glaub mir nicht, Freund!" - Alexei Tolstoi. 14. "Sing nicht, Schönheit, mit mir" - Puschkin 15. "Gebet" - Pleshcheeva (von Goethe). 16. Lange Zeit mein Freund - Golenishcheva-Kutuzova. 17. "Quellwasser" - Tyutchev.

In Rachmaninoffs Romanzen spiegelt alles wider, was in seiner Vorstellung vom Mutterland vereint war - die Seele eines Russen, seine Liebe zu seinem Land, seine Gedanken, seine Lieder. Naturbilder werden nicht nur verwendet, um ruhige, kontemplative Stimmungen auszudrücken. Manchmal helfen sie dabei, gewalttätige, leidenschaftliche Gefühle zu verkörpern. Dann wurden Romanzen mit virtuosem Charakter geboren, die sich durch Formbreite, Farbenreichtum, Brillanz und Komplexität der Klavierpräsentation auszeichneten. In diesem Stil wurde die Romanze "Spring Waters" nach den Worten von Tyutchev geschrieben. Dies ist ein musikalisches Bild des russischen Frühlings, ein Gedicht enthusiastischer, freudiger Gefühle.

"Flieder" zu den Worten von Beketova ist eine der wertvollsten Perlen von Rachmaninovs Texten. Die Musik dieser Romanze zeichnet sich durch außergewöhnliche Natürlichkeit und Einfachheit aus, eine wunderbare Verschmelzung von lyrischem Gefühl und Naturbildern.

Ein ganz besonderer Platz in Rachmaninoffs Vokaltexten ist die 1915 geschriebene Vocalise (die der großen Sängerin Nezhdanova gewidmet ist). Elemente des Volksliedstils fließen hier organisch in die Melodie ein, die von einer hellen Persönlichkeit geprägt ist. Die Breite der Melodie, die Ruhe ihrer Entwicklung, die harmonische Sprache sprechen von der Verbindung zwischen Vocalise und dem russischen verweilenden Lied.

Vogelkirschblüten an meinem Fenster
Es blüht nachdenklich unter einem silbernen Gewand ...
Und mit einem frischen und duftenden Zweig bückte er sich und rief ...
Von ihren flatternden Luftblättern
Ich atme glücklich fröhlich ein,
Ihr süßer Duft verdunkelt meinen Geist
Und sie singen Liebeslieder ohne Worte ...

Galina Galina

Gänseblümchen

Oh schau! wie viele Gänseblümchen -
Und dort und hier ...
Sie blühen; es gibt viele davon; ihr Überschuss;
Sie blühen.
Ihre Blütenblätter sind dreieckig - wie Flügel,
Wie weiße Seide ...
Du bist die Kraft des Sommers! Du bist die Freude des Überflusses!
Du bist ein leichtes Regiment!
Bereite dich vor, Erde, ein Getränk wuchs aus Blumen,
Gib den Saft zum Stiel ...
Oh Mädchen! Oh, Sterne der Gänseblümchen!
Ich liebe dich...

Igor Severyanin

Lyrik- und Landschaftsromane bilden einen der wichtigsten Bereiche von Rachmaninoffs Gesangstexten. Das Landschaftselement verschmilzt entweder mit dem psychologischen Hauptinhalt oder steht im Gegensatz dazu. Einige dieser Werke sind in festlichen Aquarelltönen gehalten und von einem ruhigen, kontemplativen Charakter geprägt, der sich durch Subtilität und Poesie auszeichnet.

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Rachmaninoffs Romanzen konkurrieren mit seinen Klavierwerken um Popularität. Rachmaninoff schrieb etwa 80 Romanzen... Die meisten von ihnen wurden auf den Texten russischer Lyriker der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts und der Wende des 20. Jahrhunderts geschrieben, und nur etwas mehr als ein Dutzend auf den Versen der Dichter der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. - Puschkin, Koltsow, Schewtschenko in russischer Übersetzung.
Rachmaninov bezog sich oft auf Gedichte von geringer poetischer Würde und „las“ sie auf neue Weise und gab ihnen in musikalischer Verkörperung eine neue, unermesslich tiefere Bedeutung. Er interpretierte die Romantik als Ausdrucksbereich lyrischer Gefühle und Stimmungen. In mehreren von Rachmaninoffs Romanzen besteht eine Verbindung zu Volksliedern und urbaner Alltagsmusik. Nach Genre russisches Lied ("Song-Romantik") Rachmaninoff dreht sich in der frühen Phase der Kreativität, in den 90er Jahren. Gleichzeitig wird das Genre hauptsächlich dramatisch interpretiert. Ein Beispiel ist ein Liebeslied "Ich habe mich in meine Trauer verliebt" (Gedichte von Shevchenko, übersetzt von Pleshcheev). Das Lied ist mit dem Thema Soldat verbunden und stilvoll - mit Weinen. Das Drama einer einsamen Soldatin ist in dieser Romanze ausdrücklich und wahrheitsgemäß verkörpert. Die Melodie basiert auf einer Tertz-Melodie. Dramatische, störende Gesänge im Höhepunkt verstärken die Nähe des Gesangsteils zum Weinen.
Absolut spezieller Ort in den Gesangstexten von Rachmaninoff nimmt "Vokalisieren", geschrieben 1915 (gewidmet der großen Sängerin Nezhdanova). Die Elemente des Volksliedstils fließen hier organisch in die Melodie ein, die von einer hellen Persönlichkeit geprägt ist. Die Breite der Melodie, die Ruhe ihrer Entwicklung und die harmonische Sprache sprechen von der Verbindung zwischen Vocalise und dem russischen Verweilen. (Die Vokalisation ist in einer einfachen zweiteiligen Form geschrieben).
Als Fortsetzung des Genres "Orientalisches Lied", charakteristisch für das Werk russischer Komponisten der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. und Kuchkisten, Romantik kann in Betracht gezogen werden "Sing nicht, Schönheit, mit mir"(Worte von A. S. Puschkin). Im Gegensatz zu Glinka und Rimsky-Korsakov, die sich demselben Gedicht zuwandten, gab Rachmaninoff ihm einen leidenschaftlichen und erbärmlichen Klang. Die Romantik kombiniert Lied und deklamatorischen Klang. Das Hauptthema der Romantik, grüblerisch und traurig, erscheint zuerst in der Klaviereinführung. Das monotone repetitive "la" im Bass, die chromatisch absteigende Bewegung der Mittelstimmen mit farbenfrohen Harmoniewechseln verleihen der Musik der Einleitung einen orientalischen Geschmack.
Romanzen lyrik und Landschaftscharakter bilden einen der wichtigsten Bereiche von Rachmaninoffs Gesangstexten. Das Landschaftselement verschmilzt entweder mit dem psychologischen Hauptinhalt oder steht im Gegensatz dazu. Einige dieser Werke sind in festlichen Aquarellfarben gehalten und von einem ruhigen, kontemplativen Charakter geprägt, der sich zum Beispiel durch Subtilität und Poesie auszeichnet. "Insel" über die Verse des englischen romantischen Dichters P. Shelley, übersetzt von K. Balmont.
"Lila" (Worte von Beketova) - einer der wertvollsten perlen von Rachmaninoffs Texten... Die Musik dieser Romanze zeichnet sich durch außergewöhnliche Natürlichkeit und Einfachheit aus, eine wunderbare Verschmelzung von lyrischem Gefühl und Naturbildern. Das Gefühl des Friedens entsteht durch die pentatonische Färbung.
Romantik "Es ist schön hier" (Worte von Galina) gehört ebenfalls zu den herausragenden Beispielen lichtkontemplative Lyrikwerke von Rachmaninoff. Diese Romanze offenbart mit großer Klarheit die Fließfähigkeit der musikalischen Entwicklung, die für den reifen Romantikstil des Komponisten charakteristisch ist und dessen besondere Integrität hervorruft. Die Romantik ist "in einem Atemzug" aufgebaut. Die Musik der Romantik zeichnet sich durch besondere Spiritualität und Ausdruckskraft aus.
In Rachmaninoffs Romanzen werden Naturbilder nicht nur verwendet, um ruhige, kontemplative Stimmungen auszudrücken. Manchmal helfen sie dabei, gewalttätige, leidenschaftliche Gefühle zu verkörpern. Dann wurden Romanzen mit virtuosem Charakter geboren, die sich durch Formbreite, Farbenreichtum, Brillanz und Komplexität der Klavierpräsentation auszeichneten. Eine Romanze wurde in diesem Stil geschrieben "Quellwasser"(Worte von Tyutchev). Das musikbild des russischen Frühlings, ein Gedicht von begeisterten, freudigen Gefühlen. Der Gesangsteil wird von einladenden melodischen Wendungen dominiert. Der brillante Konzertpiano-Part ist sehr informativ und spielt eine äußerst wichtige Rolle. Bereits die Eröffnungsphrase des Klavierparts stellt die Atmosphäre des Frühlings wieder her und lässt das Bild von Frühlingsströmen entstehen. Dieser Satz entwickelt sich während des größten Teils der Romantik.